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 Art et Peinture -Peinture chinoise

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ninnenne
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Messages : 18848
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MessageSujet: Art et Peinture -Peinture chinoise   Dim 4 Jan - 3:51

Art et Peinture - Peinture chinoise -

 
La peinture chinoise, désigne toute forme de peinture originaire de Chine ou pratiquée en Chine ou par des artistes chinois hors de Chine. La peinture murale a été un genre de peinture réputé en Chine à côté de la peinture sur rouleaux, verticaux ou horizontaux. Actuellement l'art contemporain chinois se permet d'employer une multitude de supports pour la peinture et de l'intégrer dans des ensembles multimédia. Ses fonctions sont, traditionnellement, multiples : rituelle et religieuse ou ornementale dès l'origine, elle eu aussi des fonctions mémorielles, de divertissement, éducatives, poétiques ou philosophiques et leurs combinaisons, quel qu'en soit le genre (de paysage, "fleurs et oiseaux» ou "de gens").
 
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Pour prendre un exemple, c'est sa dimension philosophique qui caractérise essentiellement la peinture classique chinoise de paysage, pratiquée par certains lettrés, en amateurs, à la différence des autres genres qui ont été pratiqués, de tous temps, par des artistes, voire des familles d'artistes professionnels. La complexité des questions esthétiques débattues et la sophistication de la littérature conservée caractérisent la[size=16]peinture chinoise à travers les siècles depuis au moins la dynastie Han.[/size]
 
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La [size=16]peinture chinoise classique[/size]
 
La [size=16]peinture chinoise classique est dénommée en chinois zhõngguó huàpeinture chinoise, ou guó huà, peinture du pays, en opposition à la peinture chinoise d'inspiration occidentale apparue au XIXe siècle. On peut la considérer comme une branche autonome de lacalligraphie chinoise, dont elle partage le médium, fondé sur les quatre trésors du lettré : pinceau chinois, bâton d'encre, pierre à encre (pour moudre le bâton d'encre et le diluer dans l'eau) et papier (papiers de fibres textiles et bambou, avec de faibles apports d'autres matières, dont parfois le riz). Mais avant le support papier, la soie a été le support "noble" par excellence.[/size]
 
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La peinture chinoise classique est constituée d'un ensemble de styles typiques de l'Extrême-Orient, et qui sont à l'origine des techniques de peintures que l'on trouve aussi en Corée et Japon.
 
Les genres en peinture chinoise
-En fonction du contenu
 
Les paysages

Peintures de paysages Shanshui
 
 
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Shanshui : Voyageurs parmi les torrents et les montagnes, Fan Kuan, actif vers 1023-1031, Song du Nord, rouleau vertical mural, encre et couleurs sur soie, 206,3 x 103,3cm, National Palace Museum, Taipei.
 
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Shanshui : Un pêcheur, Wu Zhen ca.1350. rouleau horizontal, encre sur papier 24.8 x 43.2 cm. Metropolitan Museum N-Y (Bequest of John M. Crawford Jr).
 
Les fleurs et oiseaux
 
Peintures de "fleurs et oiseaux" (huã niao huà), "herbes et insectes", "rochers et bambous".
 
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Fleurs d'hibiscus rouge (avec Fleurs d'hibiscus blanc ensemble de deux peintures :Caprice de femme), Li Di, 1197, Song du Sud, encre et couleurs sur soie, 25,2 x 25,5 cm. Tokyo, National Museum.
 
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En automne au bord de l'étang, attribué à Qian Xuan (1235- après 1301), rouleau horizontal, encre et couleurs sur papier 26.7 x 120.7 cm, Detroit Institute of Arts.
 
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Bambou, Wen Tong (1018-1079), Song du Nord. Rouleau vertical, vers 1072, encre sur soie, 132,6 x 105,4 cm. National Palace Museum, Taipei.
 
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Bambous et rochers, Wu Zhen, encre sur papier, rouleau vertical, 90,6 x 42,5 cm. National Palace Museum, Taipei.
 
* Les personnages et animaux
 
Peintures de "personnages" (rén wù huà) : portraits individuels ou groupes, et "peinture de genre".
 
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Portrait de l'Empereur Huizong(1082-1151), anonyme des Song du Nord, encre et couleurs sur soie, rouleau verical, 188,2 x 106,7 cm. National Palace Museum, Taipei.
 
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Portrait de cheval attribué à Han Gan, actif vers 740-760, Huiyebai (Night-Shining White)cheval favori de l'empereur Xuanzong, encre et couleurs sur soie 25 x 30 cm.
 
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Les divertissements nocturnes de Han Xizai, copie Song d'une peinture de Gu Hongzhong, vers 970, Tang méridionaux 937-975, rouleau portatif: partie droite, encre et couleurs sur soie, 28,7 x 335,5 cm ensemble. Beijing, Palace Museum.
 
* Les peintures religieuses
 
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Bodhisattva montrant la voie, couleurs sur soie, 80.5 x 53.8 cm. Trouvé à Dunhuang (Grottes de Mogao, grotte 17). Le bodhisattva montre le chemin à une femme qui tient un brûle parfum dans sa droite et dans sa gauche une fleur de lotus. British Museum.
 
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Détail d'une peinture de la grotte 103, représentant un débat entre Vimalakirti et leboddhisatva Manjusri.
 
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Un immortel, à l'encre éclaboussée (Pomo xianren), Liang Kai (actif début XIIIe siècle) Song du Sud, encre sur papier, feuille d'album, 48,7 x 27,7cm. National Palace Museum, Taipei.
 
Il existe aussi une importante peinture religieuse dévotionnelle ou rituelle dans les temples et autres lieux de culte, funéraire essentiellement.
 
- En fonction de la technique
 
La [size=16]peinture chinoise classique comporte quelques importants styles de référence :[/size]
 
* Gongbi huà (travail au crayon/pinceau), traits fins et attention minutieuse aux détails.
 
* Xieyi huà (dessin d'intention), travail de dessin libre où l'on trace ses impressions.
 
* Xiao xieyì huà (petit dessin d'intention)
 
* Dà xieyì huà (grand dessin d'intention)
 
* Zhóngcai huà (peinture aux couleurs denses)
 
* lavis (shuimò huà, peinture à l'encre et à l'eau)
 
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Lavis d'encre de Chine sur papier de riz, d'après la photo d'un paysage chinois.
 
* Baimiao huà (littéralement dessin blanc), technique ou l'on dessine les contours.
 
* Dunhuang bi huà (littéralement, mur de Dunhuang), en références aux fresques de Dunhuang, lieu important sur la Route de la soie.
 
* Mogu huà (littéralement, peinture sans os)

Art et Peinture - Histoire de la Peinture - suite -

 
Peinture Egyptienne sur papyrus
 
Peinture Occidentale
 
Egypte, Grèce et Rome Antique
 
Si l’Égypte antique est une civilisation ayant une grande tradition en matière d’architecture et de sculpture, elle a également développé l’art de la peinture murale dans les temples et les bâtiments ainsi que l’illustration des manuscrits en papyrus. La peinture murale et la peinture décorative égyptienne est généralement graphique, parfois plus symbolique que réaliste. La peinture égyptienne se caractérise par des figures dont les contours sont très apparents (comme dans la bande-dessinée), avec des silhouettes plates, dans lesquels la symétrie est une caractéristique constante. La peinture égyptienne est étroitement liée à son langage écrit que l’on appelle les hiéroglyphes. Les égyptiens ont également réalisé des peintures sur toile dont quelques exemples ont pu être préservées jusqu’à aujourd’hui.
 
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Représentation de Nefertari dans la tombe de Ramsès II (XIIIe siècle avant J.C)

 

Au nord de l’Égypte, en Crète, la civilisation minoenne a également développé l’art de la peinture murale, comme dans le palais de Knossos. Les peintures ressemblent à celles d’Égypte mais avec un style beaucoup plus libre. Autour 1100 av. J.-C., les tribus du nord de la Grèce conquise par la Grèce et l’art grec ont pris une nouvelle direction.

 

Frise au taureau, dans le palais de Knossos
 
La Grèce antique a connu de grands peintres, de grands sculpteurs et de grands architectes. Le Parthénon est un exemple de cette architecture. La sculpture grecque sur marbre est souvent décrite comme la forme d’art classique la plus développée. La peinture sur la poterie et céramique grecque antique donne un aperçu particulièrement instructif de la manière dont la société de la Grèce antique a fonctionné. Le style de peinture figures noires et figures rouges est un bon exemple de ce qu’était la peinture grecque. Les textes antiques évoquent quelques peintres grecs célèbres comme Apelle ou Zeuxis, spécialistes de la peinture sur des panneaux de bois dont aucun exemple n’a malheureusement survécu et que l’on connait uniquement au travers des descriptions faites dans des textes romains contemporains. Il est généralement admis que Zeuxis, qui a vécu au Ve et VIe siècle av. J.-C., est le premier à employer le sfumato. Selon Pline l'Ancien, le réalisme des peintures de Zeuxis était tel que les oiseaux auraient essayé de manger les raisins qu’il avait peints. Apelle est décrit comme le plus grand peintre de l’Antiquité en raison de sa parfaite maitrise de la technique du dessin et des couleurs brillantes.
 
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Peinture grecque sur amphore représentant Héraclès réalisée par le peintre d'Andokidès, 520 av. J.-C.
 
L’art romain a été influencé par la Grèce et, d’une certaine manière, on peut considérer qu’il est le descendant de la peinture grecque antique. Cependant, la peinture romaine a des caractéristiques uniques. Les seules peintures romaines qui ont survécu au temps sont des peintures murales, la plupart dans des villas de Campania, dans le sud de l’Italie. La peinture romaine peut être regroupée en quatre catégories selon son style ou selon la période à laquelle elle a été réalisée. On y trouve les premiers exemples de trompe-l'œil, de pseudo-perspective et paysage pur . Parmi les très rares peintures de portraits qui ont survécu on a retrouvé un grand nombre de portraits du Fayoum datant de l’Antiquité tardive. Bien que ces peintures ne soient sans doute pas de la plus haute qualité, elles donnent une idée de la qualité et de la finesse de la peinture antique.
 
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Rituel d'initiation, 60 av. J.-C.
 
Au Moyen-Age
 
L’avènement du christianisme s’est accompagné d’un changement d’état d’esprit qui a influencé les styles de peinture. Au VIe siècle, l’art byzantin a mis l’accent sur l’iconographie traditionnelle, influencée par la peinture d’icônes grecque et russe orthodoxe, et il a relativement peu changé au cours des mille ans de l’empire byzantin. Il y avait également de nombreuses peintures murales et de fresques, mais peu d’entre elles ont survécu contrairement aux mosaïques byzantines. En général, l’art de Byzance reposait sur l’abstraction et la stylisation des figures et du paysage. Toutefois, il y a eu des périodes, particulièrement au Xe siècle avec l’art macédonien, où l’art byzantin est devenu plus flexible dans son approche.
 
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Crucifixion, art byzantin, XIVe siècle
 
Dans l’Europe du Moyen Âge, la première forme d’art et de peinture à émerger fut l’art anglo-saxon dont les seuls exemples survivants sont des manuscrits enluminés tels que le livre de Kells. Elles sont célèbres pour leur décoration abstraite, même si des portraits et parfois des scènes, sont également dépeintes, particulièrement des portraits d’évangéliste. L’art carolingien et d’ottoman ont également laissé des manuscrits, même si certaines peinture murales demeurent. À cette période, la peinture mêle les influences insulaires et « barbares » ainsi qu’une forte influence byzantine.
 
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Livre de Kells
 
Les murs des églises romanes et gothiques étaient décorés de fresques ou de sculptures. Les quelques murs restant ont une grande intensité et combinent l’énergie décorative de l’art celte avec un nouveau traitement des personnages.
 
La peinture sur panneaux de bois s’est répandue à l’époque romane, sous l’influence de la peinture d’icônes byzantine. Vers le milieu du XIIIe siècle, l’art médiéval et la peinture gothique sont devenus plus réalistes, avec un début d’intérêt pour la représentation des volumes et de la perspective, en Italie avec Cimabue puis son pupille Giotto di Bondone. Avec Giotto, le traitement de la composition par les meilleurs peintres est devenu beaucoup plus libre et innovateur. Giotto et Cimabue sont considérés comme les deux grands maîtres de la peinture médiévale dans la culture occidentale. Cimabue, dans la tradition byzantine, avait une approche plus réaliste et plus dramatique de son art, alors que Giotto a développé ces innovations à un plus haut niveau ce qui a d’ailleurs jeté les bases de la peinture classique occidentale. Les deux artistes étaient donc les pionniers du naturalisme.
 
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Détail d’une fresque de Giotto di Bondone (1304-1306)
 
Les églises ont été construites avec de plus en plus de fenêtres et l’utilisation du vitrail s’est répandue comme moyen de décoration. Un des exemples les plus célèbres est la cathédrale Notre-Dame de Paris. Au XIVe siècle, les sociétés occidentales étaient plus riches et plus cultivées et les peintres ont trouvé de nouveaux débouchés auprès de la noblesse et la bourgeoisie. Les enluminures ont pris un nouveau caractère, les femmes de la Cour, habillées à la mode, ont été représentées dans leur environnement. Ce style est rapidement devenu un modèle international et les peintures de panneau en tempera ainsi que les retables ont gagné en importance.
 
Renaissance et Maniérisme
 
La Renaissance est souvent considérée comme l’âge d'or de la peinture s’étendant duXIVe au XVIIe siècle. En Italie, des artistes comme Paolo Uccello, Fra Angelico, Masaccio, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi, Giorgione, Le Tintoret, Sandro Botticelli, Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël, Giovanni Bellini et Titien ont porté la peinture à son plus haut niveau par l’utilisation de la perspective, l’étude de l’anatomie humaine et la proportion, et par une amélioration sans précédent des techniques picturales.
 
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Dieu créant Adam de Michel-Ange
 
Les peintres flamands, hollandais et allemands de la Renaissance tels que Hans Holbein le Jeune, Albrecht Dürer, Lucas Cranach l'Ancien, Matthias Grünewald, Jérôme Bosch ouPieter Bruegel l'Ancien avaient une approche différente de leurs collègues italiens, plus réaliste et moins idéalisée. L’adoption de la peinture à l'huile dont l’invention est traditionnellement, mais indûment, attribuée à Jan van Eyck, a rendu possible une peinture facilitant la représentation de la réalité. À la différence des Italiens, dont le travail était fortement marqué par l’art de la Grèce et de la Rome antiques, les peintres du Nord étaient imprégnés du style de la sculpture et enluminures du Moyen Âge.
 
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Le Triomphe de Galatée de Raphaël (1512-1514)
 
La peinture de la Renaissance reflète la révolution des idées et de la science (astronomie, géographie), la réforme protestante et l’invention de l’imprimerie. Albrecht Dürer, qui est considéré comme l’un des plus grands imprimeurs, indiquait que les peintres ne sont pas seulement des artisans mais aussi des penseurs. Avec le développement de la peinture sur chevalet pendant la Renaissance, la peinture a gagné en indépendance par rapport à l’architecture. Les artistes ne représentaient plus uniquement des images religieuses et traditionnelles, mais ils ont inclus dans leurs peintures des représentations du monde qui les entourait ou des images produits de leurs propres imaginations.
 
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Portait de Thomas More par Hans Holbein le Jeune (1527)
 
Aux XVe et XVIe siècles, les peintures sur bois, qui pouvaient être accrochées aux murs et être déplacées à volonté, sont devenues de plus en plus populaires tant pour les églises que les maisons privées. Ces peintures plus mobiles ont peu à peu supplanté la peinture murale ou la fresque qui est intégrée à une structure permanente, comme les retables.
 
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Peinture d’El Greco
 
La Haute Renaissance a vu apparaître un art stylisé connu sous le nom de maniérisme. Au lieu des compositions équilibrées et d’une approche raisonnée de la perspective qui caractérisaient l’art à l’aube du XVIe siècle, les maniéristes recherchaient l’instabilité, l’artifice et le doute. Les visages et les gestes figés des peintures de Piero della Francesca et les vierges calmes de Raphaël ont été remplacés par les expressions préoccupées de Pontormo et l’intensité émotive d’El Greco.
 
Baroque et Rococo
 
À partir de 1600 et tout au long du XVIIe siècle, s’est développé un nouveau style de peinture, la peinture baroque. Parmi les plus grands peintres baroques il faut citer Le Caravage, Rembrandt, Rubens, Vélasquez, Poussin, et Vermeer.
 
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Le Jugement de Pâris de Rubens
 
Caravage est un héritier de la peinture humaniste de la Haute Renaissance. Son approche réaliste des personnages humains a choqué ses contemporains et ouvert un nouveau chapitre de l’histoire de la peinture. La peinture baroque dramatise souvent les scènes en utilisant des effets de lumière comme l’illustrent les peintures de Rembrandt, de Vermeer, des frères Le Nain ou de Georges de La Tour.
 
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Les Ménines de Diego Vélasquez (1656).
 
Au XVIIIe siècle, le style rococo est apparu comme un dérivé de la peinture baroque, plus décadent, plus léger, souvent frivole et érotique.
 
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Pèlerinage à l’île de Cythère d’Antoine Watteau
 
Du Néoclassissisme à l'Impressionisme
 
Après le style rococo succède à la seconde moitié du XVIIIe siècle le néoclassicisme mouvement initié à partir des écrits de Winckelmann et Lessing. En peinture les principaux représentants furent Raphaël Mengs, Gavin Hamilton et Jacques-Louis David à l'origine d'une école d'où sortent Antoine Jean Gros dont les oeuvres annonces la peinture romantique, Girodet et Jean-Auguste-Dominique Ingres.
 
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La Mort de Socrate par David
 
Le mouvement romantique. s’est attaché à la représentation des paysages, de la nature, les figures humaines et de manière générale la suprématie de l’ordre normal sur la volonté humaine. Cette conception de la peinture s’inscrit dans la philosophie panthéiste qui s’oppose aux idéaux du siècle des Lumières par une vision plus tragique ou plus pessimiste du destin de l’humanité. L’idée que les êtres humains ne sont pas au-dessus des forces de la nature est en contradiction avec les idéaux de la Grèce antique et de la Renaissance où l’humanité était au-dessus de toutes choses et était maître de son destin.
 
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Madame Moitessier de Dominique Ingres (1856)
 
Ce sont ces idéaux qui ont amené les artistes romantiques à peindre le sublime, des églises en ruine, des naufrages, des massacres et la folie. Francisco de Goya dont les oeuvres de jeunesse portent encore la marque du rococo italien et plus particulièrement de Tiepolo, va avoir sur le romantisme et la peinture moderne une influence primordiale, à travers ses derniers aux thèmes irrationnels et fantastiques.
 
Parmi les principaux peintres de cette période ont retrouve Eugène Delacroix, Théodore Géricault, Joseph Mallord William Turner, Caspar David Friedrich et John Constable. Le travail d’Arnold Böcklin évoque le mystère. Aux États-Unis, la peinture romantique de paysage s’est fait connaître au travers de l’Hudson River School avec des peintres tels que Thomas Cole, Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt ou Sanford Robinson Gifford.
 
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Cuirassier blessé quittant le feu de Théodore Géricault (1814)
 
Le principal peintre de l’école de Barbizon, Camille Corot a réalisé des peintures parfois romantiques et parfois imprégnées d’un réalisme qui annonçait l’impressionnisme. L’un des peintres majeurs marquant le tournant vers le réalisme au milieu du XIXe siècle est Gustave Courbet.
 
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Le Café de nuit, place Lamartine, Arles de Van Gogh (1888)
 
Dans le dernier tiers de siècle, les peintres impressionnistes comme Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Edgar Degas et lespost-impressionnistes tels que Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat ou Paul Cézanne, ont amené la peinture aux portes du modernisme.

Art et Peinture - Histoire de la Peinture -

 
Eugène Delacroix, Dante et Virgile aux Enfers, 1822
 
L’histoire de la peinture traverse le temps et enjambe toutes les cultures.
 
Peinture préhistorique
 
Les plus anciennes peintures connues à ce jour se trouvent dans la Grotte Chauvet en France et elles ont, d’après la plupart des préhistoriens, environ 32 000 ans. Gravées et peintes avec de l’ocre rouge et des colorants noir (dioxyde de manganèse et charbon), elles représentent surtout des chevaux, des rhinocéros, des lions et des hommes. On trouve d’autres exemples de peinture pariétale partout dans le monde, en France, en Espagne, au Portugal, en Chine, en Australie, etc.
 
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Chevaux dans la grotte chauvet
 
De multiples hypothèses ont été avancées quant à la signification de ces peintures. Certains ont imaginé que les hommes préhistoriques peignaient des animaux dans le cadre de rites propitiatoires liés à la chasse, mais les espèces chassées ne sont pas les plus fréquemment représentées. D’autres pensent qu’il s’agit d’une vision animiste ou d'un hommage à la nature environnante. On peut également considérer que ces peintures résultent d’un besoin essentiel et inné d’expression ou bien encore qu’elles sont un moyen de transmission de l’information.
 
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Peinture d’un cheval dans la grotte de Lascaux, en France
 
Quoi qu’il en soit, il est indéniable que la Préhistoire a connu l’émergence de la peinture, une forme d’art qui s’est ensuite diffusée dans le monde entier.
 
Peinture Orientale
 
 
Peinture Indienne
 
Les peintures indiennes ont de tout temps été tournées vers la représentation des dieux et des seigneurs religieux. L’art indien regroupe différentes écoles d’art qui ont existé dans le sous-continent indien. La peinture indienne a évolué des grandes fresques d’Ellorâ aux peintures miniatures de l’Empire moghol et au travail sur le métal de l’école de Tanjore. Les peintures du Gandhar-Taxila sont influencées par les travaux persans à l’ouest. Le courant de la peinture orientale s’est la plupart du temps développé autour de l’école d’art de Nâlandâ. Les travaux sont la plupart du temps inspirés par des scènes de la mythologie indienne.
 
Les plus ancienne peintures indiennes sont les peintures sur roche des périodes préhistoriques, comme les pétroglyphes que l’on trouve par exemple dans les abris-sous-roche de Bhimbetka, dont certaines sont datées de 5500 avant Jésus-Christ. Cette forme de peinture s’est développée au cours des siècles et on peut découvrir un exemple de peintures indiennes raffinées, réalisées au VIIe siècle dans les cavernes d’Ajantâ, dans l’État du Maharashtra.
 
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Une fresque de la caverne d’Ajantâ
 
Peinture de Madhubani : ce style de peinture est né dans la région de Mithila dans l’État de Bihar. Les origines de la peinture de Madhubani remontent à l’Antiquité, et selon la tradition, elle serait apparue en même temps que le Ramayana lorsque le Roi Janaka a demandé à des artistes de peindre le mariage de sa fille Sitâ, avec Ramâ qui est considéré comme une incarnation du seigneur hindou Vishnou.
 
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Représentation d’Agni, la déesse du feu
 
Peinture de Rajput : il s’agit d’un style de peinture indienne qui est apparu au XVIIIesiècle, dans les cours royales de Râjputâna (ancien nom du Rajasthan).
 
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Peinture d’un soldat Rajput
 
Chaque royaume a développé un style particulier, mais avec certaines caractéristiques communes. Les peintures de Rajput dépeignent un certain nombre de thèmes, des évènements comme les épopées de Ramayana ou de Mahabharata, la vie de Krishna, de beaux paysages et des hommes. Les miniatures étaient le support préféré de ce style de peinture, mais plusieurs manuscrits contiennent également des peintures de Rajput, et on trouve aussi des peintures sur les murs et à l’intérieur de palais, comme le havelî de Shekhawait.
 
Peinture moghol : La peinture moghol est un type particulier de peinture indienne, généralement confiné aux illustrations sur les livres et les miniatures.
 
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Peinture de Tanjore : La peinture de Tanjore est une forme importante de la peinture classique de l’Inde du Sud, née la ville de Tanjore dans l’État du Tamil Nadu. Cette forme d'art remonte au IXe siècle à une période dominée par les gouverneurs de Chola qui ont encouragé l’art et la littérature. Ces peintures sont connues par leur élégance, des couleurs riches et une grande attention aux détails. Les thèmes abordés sont généralement les dieux et les déesses et les scènes de la mythologie hindoue.
 
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Peinture de Tanjore représentant les gurûs du sikhisme.
 
L’école de Madras : Pendant la période coloniale britannique, la couronne a constaté que la ville de Madras regroupait des artistes et des intellectuels parmi les plus doués dans le monde. La ville a été choisie pour y établir un institut pour approvisionner la Cour royale à Londres en œuvres artistiques. C’est ainsi qu’est née l’école de Madras. Au début, des artistes traditionnels ont été engagés pour réaliser une grande variété de meubles raffinés, du métal ouvré et des curiosités qui étaient envoyés aux palais royaux de la reine.
 
L’école du Bengale : Il s’agit d’un mouvement artistique influent qui s’est épanoui en Inde pendant le Raj britannique au début du XXe siècle. Elle était associée au nationalisme indien, mais elle a aussi été soutenue par de nombreux administrateurs britanniques d’arts.
 
Peinture d'extrême-Orient
 
La Chine, le Japon et la Corée ont une grande tradition picturale qui est fortement attachée à l’art de la calligraphie et de la gravure. La peinture traditionnelle en Extrême-Orient se caractérise par des techniques de peinture à l'eau, moins de réalisme, des sujets « élégants » et stylisés, une approche graphique de la description, l’importance des espaces blancs (ou de l’espace négatif) et une préférence pour les paysages plutôt que des figures humaines. À côté de la peinture à l’encre et l’utilisation de la couleur sur des rouleaux de soie ou de papier, l’or sur la laque était également un médium fréquemment utilisé dans la peinture asiatique. Alors que la soie était un support assez cher, l’invention du papier au Ier siècle [size=16]avant J.C.. par Cai Lun, l’eunuque de la dynastie Han, a fourni un support non seulement bon marché et répandu pour l’écriture, mais aussi pour la peinture.[/size]

 

Femmes jouant au double sixes, par Zhou Fang (730-800 Av. J.-C.), Chine.
 
Le confucianisme, du Taoïsme et le bouddhisme ont joué un rôle important dans l’art d’Asie centrale. Les peintres médiévaux de la dynastie Song tels que Lin Tinggui au XIIesiècle sont d’excellents exemples de l’intégration des idées bouddhistes dans la peinture chinoise classique. À la fin du XIXe siècle, avec le développement du japonisme, des artistes impressionnistes comme Van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec et Whistler admiraient les artistes japonais traditionnels d’Ukiyo-e comme Katsushika Hokusai ou Hiroshige, et leur travail en a été influencé.
 
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Blanchissage des Luohan, par Lin Tinggui, 1178
 
Peinture Chinoise
 
Les plus anciennes œuvres de peintres chinois datent la période des Royaumes Combattants (481 - 221 av. J.-C.), avec des peintures sur soie ou sur des tombeaux, de la roche, de la brique, ou de la pierre. Elles représentaient généralement des formes stylisées simplistes avec des modèles géométriques rudimentaires. Ces peintures dépeignaient souvent des créatures mythologiques, des scènes domestiques, des scènes de travail ou des scènes somptueuses pleines de fonctionnaires royaux. A cette période, et par la suite sous la dynastie Qin (221 - 207 av. J.-C.) et la dynastie Han (202 av. J.-C. - 220), la peinture n’était pas un moyen d’expression personnelle, mais plutôt le moyen de symboliser et honorer la géomancie, les rites funéraires, les représentations des dieux mythologiques ou l’esprit des ancêtres, etc.
 
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Un matin d’automne dans le palais Han, par le peintre Qiu Ying, sous la dynastie Ming.
 
Sous la dynastie Han, les peintures sur soie représentant des fonctionnaires de la cour et des scènes domestiques côtoyaient des scènes de chasse avec des hommes à cheval ou participant à des défilés militaires. Il y avait aussi des peintures sur des figurines et des statues, comme celles recouvrant les statues de soldats et de chevaux du mausolée de l'empereur Qin. Sous la dynastie des Jin orientaux (316 - 420) basée à Nanjing, la peinture était devenu l’un des passe-temps officiels des fonctionnaires, des aristocrates et des bureaucrates confucianistes éduqués, tout comme la musique jouée à la cithare guqin, la calligraphie et la poésie. La peinture est devenue une forme d’expression artistique libre et, à cette période, les peintres de la cour faisaient partie de l’élite sociale.
 
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Peinture sur rouleaux de Gu Kaizhi.
 
Le peintre Gu Kaizhi (344 - 406) de la dynastie des Jin orientaux qui est l’un des artistes les plus célèbres de l’histoire chinoise représente parfaitement le développement de la peinture chinoise classique. Comme peintures sur rouleau de Kaizhi, des artistes chinois de la dynastie Tang (618 - 907) comme Wu Daozi ont peint des œuvres aux couleurs vives et très détaillées sur des rouleaux horizontaux. Les peintures de la période Tang représentaient un environnement et des paysages idéalisés avec, de façon clairsemée, des objets ou des personnes. Un artiste comme Zhan Ziqian, au début de l’ère Tang, a peint de superbes paysages avec un style qui fait de lui un précurseur du réalisme. Cependant, l’art du paysage a atteint son plus grand niveau de maturité et de réalisme durant la période des Cinq Dynasties et des Dix Royaumes (907 - 960) avec des peintres exceptionnels comme Dong Yuan ou Gu Hongzhong.
 
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Peinture de Dong Yuan
 
Avec la dynastie Song (960 - 1279), non seulement l’art du paysage s’est amélioré mais, au même moment, la peinture de portraits est devenue plus normalisée et sophistiquée qu’auparavant pour atteindre sa maturité sous la dynastie Ming (1368 - 1644). À la fin du XIIIe siècle et durant la première moitié du XIVe siècle, sous la dynastie Yuan contrôlée par les mongols, les chinois n’avaient pas le droit d’occuper les postes les plus élevés du gouvernement qui étaient réservés aux mongols ou à d’autres groupes ethniques d’Asie centrale), et le système de l’examen impérial fut donc abandonné pendant un temps. Beaucoup de chinois instruits qui n’avaient pas de profession se sont donc tournés vers l’art, la peinture et le théâtre principalement ce qui explique que la période Yuan ait été l’une des ères les plus vibrantes et les plus abondantes pour la peinture chinoise. Ce fut le cas par exemple de Qian Xuan (1235 - 1305), qui était un fonctionnaire de la dynastie Song, mais qui a refusé desservir la cour de Yuan et s’est consacré à la peinture. On peut également citer les peintures murales du palais de Ming Yongle qui couvrent plus de 1000 mètres carrés.
 
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Un portait de l’empereur Huisong, de la dynastie Song
 
Bien qu’une peinture stylisée, une élégance surréaliste aient souvent été préférées au réalisme (comme dans le style shanshui), les peintres chinois ont commencé à réaliser des peintures de plus en plus réalistes sous la dynastie Song, mouvement qui a perduré ensuite. Les artistes de la dynastie Ming ont ainsi développé un goût pour les détails et le réalisme de la nature, particulièrement dans la description des animaux (tels que les canards, cygnes, moineaux, tigres, etc.) ou des fleurs et du bois.
 
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Portait de l’empereur Qianlong, milieu du XVIIIe siècle.
 
La peinture chinoise classique a perduré sous la dynastie Qing, avec des portraits très réalistes comme ceux de l’empereur de Kangxi, de l’empereur de Yongzheng ou de l’empereur Qianlong. Sous le règne de Qianlong et jusqu’au XIXe siècle, le style baroque européen a visiblement influencé la peinture chinoise, particulièrement avec les effets d’ombres et lumières. Inversement, les peintures asiatiques et d’autres formes d’art, comme la porcelaine et la laque, étaient très appréciées en Europe.
 
Peinture Japonaise
 
La peinture japonaise est un art ancien et raffiné, regroupant une grande variété de genres et de styles. L’histoire de la peinture japonaise est à certains moments une synthèse entre une esthétique originelle et une adaptation d’idées venues de l’extérieur. Le Yamato-e (images du Japon ancien) est considéré comme le style japonais traditionnel, à partir de la fin de l'époque Heian. Il aura comme héritier l'école Tosa, au XVe siècle.
 
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École Tosa : Scène du Genji Monogatari, attribuée à Tosa Mitsuoki.
 
L'école Kan?, qui apparait à peu près à la même époque, est une peinture savante, et aussi une peinture de cour, riche et très élaborée. Elle fait souvent appel à des arrières-plans recouverts de feuilles d'or. Au XVIIe siècle, l'école Rinpa se réclame du Yamato-e, et peint des sujets inspirés de la nature, oiseaux, plantes et fleurs. Son style peut cependant présenter des similitudes avec celui de l'école Kano, en plus simple et moins orné cependant, bien que l'école Rinpa fasse souvent appel à des feuilles d'or ou des perles.
 
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École Kano : Arrivée de vaisseaux étrangers « venus du Sud » (panneaux attribué à Kano Naizen, 1570-1616).
 
Une particularité de la peinture japonaise de ces différentes écoles est qu'il s'agit largement d'une peinture décorative, ornant notamment les paravents et les fusuma, ces panneaux mobiles faisant office de cloisons dans les intérieurs japonais.
 
L’ukiyo-e (qui signifie littéralement « images du monde flottant »), peinture populaire par excellence, est en rupture totale avec l'école Kano. Elle correspond à un profond changement de la société japonaise, qui, avec la paix retrouvée de l'ère Edo, voit le monde des samouraïs passer au second plan, au profit de celui des marchands, et d'une bourgeoisie naissante.
 
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Peinture sur soie ukiyo-e de Miyagawa Issho (vers 1750).
 
La forme la plus populaire et la plus connue de l’ukiyo-e est l'estampe japonaise (gravure sur bois), qui permet une diffusion très importante des œuvres des grands peintres que sont par ailleurs Kaigetsudo, Utamaro, Eishi, ou encore Hiroshige.
 
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Estampe sur bois de Hiroshige : Scène de la route du Kiso Kaido, près du village de Nagakubo (1834-1835).
 
Au XIXe siècle, l’ukiyo-e est influencé par la peinture occidentale, en particulier dans le domaine de la perspective, parfaitement assimilée par des artistes tels que Hiroshige ou Hokusai. Inversement, l'estampe japonaise ukiyo-e a exercé une très grande influence sur la peinture occidentale, en France notamment, durant le XIXe siècle, à partir de l'Exposition universelle de 1867, qui voit arriver en France de nombreuses estampes.
 
Peinture Coréenne
 
Tout au long de l´histoire de la peinture coréenne, il y a eu une disjonction entre les travaux des lettrés, des peintures monochromatiques réalisées à la brosse avec une encre noire sur du papier de mûrier ou sur de la soie et le minhwa, la peinture populaire des tombes, de la religion et des festivals artistiques qui faisait un usage intensif de la couleur. Au niveau des sujets, tout comme dans la peinture chinoise, on peut distinguer la peinture de paysages, le sansuhwa (montagne et eau), les portraits et la peinture des oiseaux et des animaux, le yeongmohwa.
 
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Aristocrates et roturiers par Kim Deuksin (1754-1822)
 
Cette distinction est basée sur les différences de classe : les lettrés, particulièrement dans l´art confucéen pensaient que l´on pouvait voir la couleur dans les dégradés des peintures monochromatiques et estimaient que l´usage de la couleur rendait vulgaire la peinture et entravait l´imagination. Dans l´art populaire, les bâtiments en bois étaient souvent décorés avec des couleurs brillantes suivant les traditions de l´architecture chinoise. De même, les influences de l´art bouddhique et de l´art indien poussaient à une riche utilisation des couleurs primaires.


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Art et Peinture -Peinture chinoise
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